En la Ciudad Sin Límites

Dirección: Antonio Hernández
España, Argentina, 2001
!20 Minutos.
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Fernando Fernán-Gómez , Geraldine Chaplin , Ana Fernández , Alfredo Alcón (Rancel), Leticia Brédice , Adriana Ozores , Roberto Álvarez Álex Casanovas

Sinopsis:Un joven, Víctor, aterriza en París dónde toda la familia está reunida en torno al padre, Max. Pero el enfermo se comporta de la manera más extraña. ¿Por qué intenta escaparse de la clínica? ¿Por qué tiene miedo a los que le cuidan? Se ha vuelto loco? Quizás, pero Víctor, al contrario de los demás miembros de la familia que solo encuentran interés en las cuestiones de herencia, quiere saber porque. ¿Por qué su padre pierde la razón precisamente de esta forma? ¿Por qué tanto miedo? Con el tiempo, Víctor consigue ganarse la confianza del anciano y empieza a seguir sus instrucciones. Estas, al principio, resultan bastante incoherentes. Tiene que llamar un número de teléfono que no existe. Empieza a buscar a un hombre que parece haber muerto años atrás. Saca a su padre de la clínica solo para descubrir que el anciano ya no reconoce las calles dónde pasó su juventud. Cuando la familia averigua el incidente y para prevenir cualquier nueva escapada, se fija nuevas reglas para las visitas. Víctor, destrozado, humillado, está a punto de abandonar una búsqueda que visiblemente es un despropósito. Cuando, de repente, todo empieza a cobrar sentido. Víctor descubre que la locura de su padre esconde un terrible secreto. Un secreto que les puede herir a todos.



** Filme que trata de hablarnos del compromiso y de la traición, de la familia y del abandono, de la lucha por el poder... En los limites de la ciudad , anclada en una tierra de nadie como es París, habla también de una libertad perdida para siempre. Curiosamente, en ese sentido, se emparejan dos tipos de libertades (u opciones): la política (y la traición hacia una determinada forma de vivir) y la sexual (la renuncia homosexual). Libertades que en definitiva se centrarían en un determinado planteamiento ideológico.

Arizona Sky

Pais: USA.

Año: 2008.
Duración: 91 min.
Género: Drama | Romance.

Interpretación: Eric Dean, Blaise Embry, Kyle Buckland, Jayme McCabe, Patricia Place, Evan Cuthbert, Brent King, Emerson Smith, Bernadette Murray.
Guión: Jeff London.

SINOPSIS:

La ansiedad del primer amor impregna a estos adolescentes, donde consumen una cena rápida y se retiran debajo de las mantas en la parte posterior de la vieja furgoneta pequeña donde la pasión estalla. Este idílio pronto se pone en peligro por el hecho de que fuerzan a Jake a viajar con su padre a la gran ciudad. Dieciocho años pasan rápidamente y Jake es ahora un productor importante, sin amor. Después de unas jornadas estresantes un buen amigo le aconseja para tome unas vacaciones para recordar los tiempos pasados y decide por lo tanto volver al desierto de Arizona, teniendo en la mente que Kyle quizás todavía se encuentra por aquellos lugares. Los dos hombres se encuentran otra vez, son ambos homosexuales reprimidos que no pueden nunca oponerse a la mutua y fuerte atracción que los une. Pero ahora deben tomar muy seriamente su posible
relación, deben estar preparados para basarse y para tomar las decisiones que pondrán en juego todo su futuro.




** Cuando en una película de 90 minutos el director tiene que emplear de 10 a 15 minutos seguidos para que dos o tres personajes hablen de la vida de uno y como se encuentra algo falla. Ese director no sabe utilizar las imágenes, el cine, para contar algo, y de ello hay algunas muestras en esta película. Colocar a los actores para que estén en campo y hacerles hablar y hablar utilizando solo los cambios de eje de la cámara, sin pensar en cambios significativos de plano o movimientos de la cámara o de los actores produce aburrimiento en el espectador. En muchas películas hay escenas que marcan y recuerdas como algo que te ha impactado, aquí también. Aquí está la escena de los dos amigos entrando a casa corriendo después de la lluvia, con la cámara quieta y la pared de fondo, que puede que la recuerde como lo más patético que haya visto yo. No sabía si continuar o no viendo la película. Continué y, como siempre me pasa con el cine, encontré una gran ternura en el tratamiento de la relación de esos dos hombres, una cierta sensibilidad en el director y en los actores.

Bishonen (Beauty)

Director: Yeung Fan
Año: 1998
Pais: Hong Kong
Interpretes: Daniel Wu, Sthepen Fung, Shu Qi
102 minutos.

Sinópsis: Estrenada en la sección oficial del festival de Toronto, esta película de bajo presupuesto del fotógrafo Fan de Yeung, es una historia de amor gay de lo más emocionalmente. Stephen Fung es un motor de reacción, un joven chapero masculino que se toma su trabajo con la conducta y estilo de un profesional. Todos se quedan asombrados cuando él se siente atraído por Sam, un policía aparentemente hetéro con una novia bonita.

Encantado por la belleza de Sam y la gracia callada de este, él se siente más atraído y procura estar cerca a él. Él no quiere engañar a Sam sobre su sexualidad pero él es impotente para alejarse de él. Poco a poco el se entera de cosas de Sam y así sabe que tiene algunos secretos, qué involucra a su colega Ching, así como a un cantante del pop adolescente K.S. donde todos ellos son homosexuales.




** Bishonen es un término japonés que significa "chico guapo", un término muy apropiado para esta película porque lo que son chicos guapos abundan. Casi todos los personajes principales son muy guapos y el director prioriza ante todo la exposición de la belleza masculina, tanto en pareja como individual. Bishonen no es una película especialmente realista que refleje la forma de vida de un homosexual en Hong Kong, prácticamente se centra en el tema de la prostitución masculina y en el caso de las parejas "normales" no llegamos a verlos fuera de las cuatro paredes de la habitación. Pese a ello considero que la película nos muestra personajes muy humanos, con sentimientos de amor y desamor que hemos vivido todos alguna vez, ya sea enamorándonos de un hombre o de una mujer. La película en ese sentido es bastante dramática, algo que parece ser norma en la mayoría de películas con temática homosexual, en las que los personajes acostumbran a sufrir mucho.

Angeles en América

Dirección:Mike Nichols
Pais:USA
Año: 2003
Duración: 352 min.
Género: Drama.
Interpretación: Al Pacino, Meryl Streep, Emma Thompson.

Sinopsis: Miniserie de TV sobre el sida. Dios abandona el Cielo. Es el año 1985, el presidente Reagan está en la Casa Blanca y el sida amenaza a muerte. Cuando Prior le dice a Louis -su amante durante cuatro años-, que está enfermo, éste desaparece. A medida que la enfermedad y la soledad destrozan a Prior, la culpa consume a Louis. Al mismo tiempo, Joe Pitt, un abogado republicano y mormón, es impulsado por Roy Cohn, un hombre de mundo e importantes contactos, a trabajar en el Departamento de Justicia. Tanto Pitt como Cohn esconden su verdadera identidad sexual: Pitt por su vergüenza y su religión, Cohn para conservar su poder. La esposa de Pitt, Harper , está muy nerviosa tomando Valium, anhelando escapar de un matrimonio sin relaciones sexuales. Un angel mensajero invita a Prior a ser un profeta en la muerte. La madre de Pitt, junto con Belize, alguien cercano a Prior, le ayudan a tomar una decisión.




** La serie es extraña: tiene un guión personalísimo, unos diálogos estupendos, actuaciones impresionantes, una puesta en escena y una fotografía maravillosos. Angels in America habla más de la muerte de Dios que de la ausencia de Dios. Y me explico: básicamente la serie gira alrededor de un personaje (un hombre joven, homosexual, enfermo de SIDA en avanzado estado) al que se le presenta un ángel para señalarle que él es el nuevo profeta y que debe conseguir que la humanidad deje de "moverse" (léase "migrar, evolucionar, avanzar, aprender, etc.") ya que este "movimiento" produce en el cielo el equivalente de terremotos y, por ende, producirá su destrucción final. Para complicar más las cosas Dios, aburrido ya de los ángeles, ha creado al hombre, pero luego abandona a toda su creación -tanto a los ángeles como a los hombres- y parece que jamás regresará. Bien, cuando me refiero a la Muerte de Dios lo hago en el sentido que Nietzsche le dió a esa idea: Dios muere en el momento en que el hombre deja de creer en él o, también, en el momento en que el hombre deja de actuar en concordancia con la idea que se tiene de ese Dios, aún cuando ocupe toda su vida hablando de él y de esas ideas, las que se convierten en una fruta falsa, toda cáscara y nada de sustancia.
Sería tedioso enumerar a toda la galería de personajes, pero no hay excepción a la regla de que todos ellos son, en menor o mayor grado, almas torturadas por pasiones, enfermedades, miedos, mentiras y humillaciones varias. La humanidad, entonces, no es más que un conjunto de seres que no sólo a perdido a Dios, sino que, posiblemente, es la culpable de su muerte.

Mi Vida en Rosa

Dirección: Alain Berliner

Pais: Francia, Bélgica, Gran Bretaña, 1997
Duración: 95 minutos
Género: Drama.
Interpretación: Michelle Laroque, Jean-Phillipe Eccoffet, Georges Du Fresne

Sinopsis: Ludovic es un niño que sueña con ser niña. Lo que para el pequeño es lo más normal del mundo, no lo es para el resto de la gente. Cree que eso de ser niño es una fase pasajera y que acabará por convertirse en una niña. Estos deseos que en un principio su familia toma con sentido del humor, finalmente provocarán la preocupación de sus allegados y el rechazo feroz por parte de sus vecinos.







* Ludovic ve la vida de color de rosa (el de la feminidad por excelencia). Con la misma inocencia con que un chaval dice que quiere ser torero, Ludovic comenta que quiere ser una niña. A pesar de su corta edad, ya mira con deseo los vestidos de su madre e intenta vestirse como ella. Pero los adultos, ya se sabe, ven la vida en blanco y negro, pero nunca en rosa. Y es que no es fácil ser diferente, menos aún cuando no se es consciente de la diferencia, porque nadie te prepara para ella. Por eso Ludovic no entiende el jaleo que se ha montado en torno a él. En su ópera prima, el belga Alain Berliner nos dice con amabilidad algo doloroso: hemos sido educados para distinguir la diferencia pero no para aceptarla. El director consigue una bonita comedia de un tema tan áspero como la identidad sexual simplemente porque ha cuidado todos los puntos de vista posibles de la historia: la ingenuidad del niño y el miedo de sus padres, que se enfrentan a la mayor prueba de amor que pueden darle a su hijo. Con brillantes toques de sátira y momentos de congoja, Berliner analiza sin pretensiones los resortes más ocultos de una sociedad que ansía la uniformidad y teme la diversidad. ésta no se plasma sólo en el discurso narrativo, también en su concepto visual, lleno de colorido.